In Zeiten zwanghaft historisierender Aufführungspraxis lässt die vorliegende Aufnahme einen Blick in die Interpretationsgeschichte Bachscher Orgelwerke zu. Während die Editionen Straubes und Duprés hierzulande zwar bekannt sind, kaum ein Organist es allerdings wagt, eine ihnen folgende Interpretation vorzulegen – es sei überholt, hört man – ist die Bach-Ausgabe Bests kaum bekannt. (Wie überhaupt die englische Kirchenmusiktradition erst langsam entdeckt wird.)

William Thomas Best (1826–1897) brachte ab 1885 Bachs Orgelwerke in einer für damalige Verhältnisse kritischen Ausgabe heraus und versah sie mit Interpretations- und Registrierungshinweisen, die die Möglichkeiten der orchestralen Orgel ausnutzten.

In der Aufnahme Carsten Wiebuschs entstehen so ganz neue Höreindrücke hinlänglich bekannt geglaubter Kompositionen. Reiche Dynamik und filigrane Durchsichtigkeit gliedern die Werke und lassen Stimmen wie Abschnitte hervortreten und verschwinden. Eine analytische, dabei aber unmittelbar zugängliche und höchst musikalische Art, auf die die Bachschen Orgelwerke nun daherkommen.

Die Klais-Orgel, 1966 erbaut und 2010 grundlegend erweitert sowie die hervorragende Aufnahmetechnik tun ein Übriges für den höchst positiven Gesamteindruck. Best’s Bach ist seit langem der beste Bach, der zu hören war.

Maronitische Weihnachtsgesänge mit Orgelimprovisationen zu kontrastieren, ist sicher ein gewagtes Unternehmen. Der Organist der Pariser Pfarrkirche Ste. Trinité, Naji Hakim wurde 1955 in Beirut geboren und ist Nachfolger des berühmten Komponisten Olivier Messiaen an der 1868 von Aristide Cavaillé-Coll vollendeten Hauptorgel. In seiner Person verbinden sich orientalische und europäische Tradition aufs Überzeugendste.

Der Chor der Kirche Notre Dame du Liban singt unter Leitung von P. Wadih Al Skayem die alten, großenteils mündlich überlieferten liturgischen Gesänge, deren Tonsystem sich nicht auf arabische oder gar auf byzantinische oder gregorianische Systeme zurückführen läßt. Die Tonskalen sind nicht gleichschwebend und wirken daher für europäische Ohren recht „orientalisch“. Faßbar werden sie durch die syllabische Struktur – ein Hinweis darauf, daß die ganze Gottesdienstversammlung gemeinsam singt und nicht nur ein professioneller Chor – die strophische Anordnung und den relativ geringen Tonumfang von maximal einer Quinte, oft aber nur einer Terz. Die monodischen Gesänge zeichnet allerdings eine ungeheure rhythmische Vielfalt aus.

Der Interpretation des Gesanges folgt auf der CD sodann unmittelbar – allerdings mit spürbarer Raumdifferenz (größerer Nachhall) – die Improvisation Hakims, bei der sich die ganze Meisterschaft des Organisten zeigt. Er verarbeitet nicht nur das musikalische Material, hörbar wird auch sein Eindringen in den Text der syrischen Poesie und ihren liturgischen Ort. Er entlockt der großen Orgel stürmische Toccaten und zauberhafte Cantilenen, geht auf die freie Rhythmik der Vorlagen ein und zeichnet ihre für eine Orgel natürlich sperrige Harmonik nach. Es entsteht ein Klanggemälde von suggestiver Kraft, das Freunde französischer Orgelromantik und orientalischer Musik gleichermaßen überzeugen dürfte.

Musik – gerade religiöse, geistliche Musik ­– ist vielleicht der tiefste und ergreifendste Seelenausdruck des Menschen, gleich in welcher Kultur er lebt oder welcher Religion er angehört. Im Bewußtsein, daß es keinen wirklichen Frieden unter Menschen und Staaten geben kann ohne Verständigung zwischen den Religionen, hat der Dalai Lama mit Blick auf die bevorstehende Jahrtausendwende zu einem Weltfest sakraler Musik eingeladen. Die Initative wird zudem unterstützt von namhaften politischen und geistlichen Führern, darunter Präsident Vaclav Havel, Erzbischof Desmond Tutu, Pandit Ravi Shankar, Yehudi Menuhin oder Danielle Mitterand. Das Festival startet im Oktober 1999 in Los Angeles und endet im nächsten Jahr in Bangalore mit einem großen Finale.

Die in diesem Zusammenhang erschienene Doppel-CD setzt das Anliegen des Dalai Lama exemplarisch für Europa um, indem es Musik vieler Völker und Zeiten vereint: Die Gesänge kommen aus Rußland, dem Baltikum, Andalusien, Sardinien, Bulgarien oder Ungarn, aus der Folklore wie der Liturgie, aus jüdischen, byzantinischen, islamischen oder mittelalterlich-lateinischen Quellen. Fünf zeitgenössische Kompositionen verdeutlichen schließlich, daß auch heute noch sakrale Musik von hohem Rang und dichter Spiritualität entsteht. Die Ensembles dieser Einspielung bemühen sich zumeist um die Wiederentdeckung klassischer oder archaischer Gesangstechniken und musizieren durchweg auf höchstem künstlerischen Niveau. Es entsteht ein faszinierendes Hörerlebnis, eine wirkliche Horizonterweiterung. Auch wenn das Beiheft nicht alle Fragen (manche gar unkorrekt) beantwortet, ist diese CD unbedingt eine Empfehlung wert. Die religiösen Traditionen Europas sind hier – fernab allgegenwärtiger Weltmusik-Sampler – in seltener Eindringlichkeit und wirklicher Authentizität präsentiert.

Das würdigste Musikinstrument für die Feier des Gottesdienstes hat sich Gott selbst geschaffen: die menschliche Stimme. Byzantinische Kirchenmusik ist daher auch stets primär gesungener Text und wesentlich einstimmig. Alle Mehrstimmigkeit geht auf spätere westliche Einflüsse zurück, von der man sich mittlerweile wieder weitgehend befreit hat. Einzig der sogenannte Ison, ein lang gehaltener, gleichförmiger Baßton (Bordun), der von einigen Sängern gehalten wird, bildet das harmonische Fundament für die reichen Melodien mit den vielen Melismen und den für uns so ungewohnten und diffizilen Intervallen.

Lycourgos Angelopoulos hat es sich zur Aufgabe gemacht, mit seinem 1977 gegründeten griechisch-byzantinischen Chor zu den Ursprüngen griechischer liturgischer Musik zurückzukehren, die im 5. Jahrhundert in den kirchlichen Zentren Konstantinopel, Jerusalem, Antiochien und Alexandrien zu suchen sind. Dabei waren die Hymnographen immer sowohl Dichter als auch Komponisten. Der bekannteste unter ihnen ist wohl Romanos (5./6. Jh.), dem als Autor vieler auch heute noch gebräuchlicher Hymnen der Beiname „der Melode“ zukam. Bis ins 12. Jahrhundert hinein schufen die großen Dichter-Komponisten einen Großteil des Reichtums byzantinischer Hymnik. Die Musik war zu dieser Zeit vorwiegend syllabisch. In den folgenden Jahrhunderten bis zum Fall Konstantinopels entstanden dagegen hochmelismatische Gesänge, für die Musiker wie Johannes Koukouzelis verantwortlich zeichnen, die sich der traditionellen Texte bedienten. Obwohl die meisten Melodien auf der CD nicht älter sind als 200 Jahre (nur ein Kommuniongesang aus der Feder von Koukouzelis entstammt einer Sinai-Handschrift von 1309) erwecken sie den typischen archaischen Eindruck griechischer Kirchenmusik, da die Protopsalten (Chorleiter) stets verstanden, sich der traditionellen Mittel zu bedienen. Welche Rolle immer noch auch die mündliche Überlieferung spielt, belegen Gesänge, die anhand von auswendig vorgetragenen Weisen der Athosklöster niedergeschrieben wurden.

Der für griechische Verhältnisse große Männerchor von über 20 Personen gefällt durch einen ausgewogenen, satten Klang und wirkt auch in der Höhe nicht schreiend. Es handelt sich um eine mustergültige Aufnahme einer griechischen Liturgie (Messe), wie sie vollendeter und authentischer wohl nicht – weder auf CD noch in einer griechischen Kirche – zu hören sein wird.

Die Rückbesinnung auf alte französische Chorkultur einer christlich-musikalischen Erziehung hat sich der Lyoner Kinderchor „Les Petits Chanteurs de Saint-Marc“ zur Aufgabe gemacht. Die 65 Jungen und Mädchen haben sich im Laufe der Jahre einen festen Platz unter den französischen Kinderchören erarbeitet. Nicht von ungefähr sind sie Widmungsträger dreier der aufgenommenen Kompositionen: des titelgebenden Salve Regina von David Falconer und zweier Motetten von Petr Eben. Überhaupt finden sich auf der Einspielung hierzulande selten gehörte Stücke: Werke von Pablo Casals, Gabriel Fauré, Maurice Duruflé, Zoltan Kodaly oder Georges Bizet erklingen ebenso wie Schuberts Psalm 23 und zwei Chorsätze von Mendelssohn-Bartholdy.

Wohl aufgrund spezieller Vorlieben und Fertigkeiten des Chores besteht das Programm aber fast ausschließlich aus ruhigen, meist homophonen Kompositionen. Die Akustik der Abteikirche St.-Martin d’Ainay kommt diesen weiten Phrasen entgegen und täuscht zudem über manche Ungenauigkeit in der Absprache und über Defizite bei der Verschmelzung der Stimmen hinweg. Die im Kirchenraum entstehende Klangwolke aus Chor und Orgel ist jedenfalls nicht dazu angetan, dem nicht ganz einstündigen Programm konzentriert zu folgen. Etwas mehr Abwechslung und allgemein mehr Gestaltungswillen bei der Programmzusammenstellung wäre zu wünschen gewesen.

In Venedig, Karthago und Syrien liegen die Wurzeln des Canto Flamenco. Dazu treten noch Elemente des gregorianischen Chorals. Doch nirgendwo anders hat sich eine vergleichbare Musik entwickelt wie in den Dörfern Andalusiens. Der Flamenco spiegelt den Schmerz und die Armut jener Region und Epoche, er ist untrennbar mit Schweiß und Alkohol verbunden, prägte die Arbeit, die Familienabende und Feste. In den „cafes cantandes“ erklangen die Gesänge ebenso wie auf den großen andalusischen Karfreitagsprozessionen. Es ist die klagende Stimme, ihre enorme, schier akrobatische Kunstfertigkeit, begleitet von Gitarre, Trommeln und Händeklatschen, einer Flöte oder Geige vielleicht, die den klassischen Flamenco so unverwechselbar machen.

Die vorliegende Aufnahme präsentiert keine herkömmliche Flamenco-Folklore. Diese Musik ist gewöhnungsbedürftig. Hat man aber erst einmal die anfängliche Fremdheit überwunden, bestechen die klaren, unverbildeten Stimmen der Sänger, in denen noch die große Tradition der „cafes cantandes“ lebendig ist. Wo allabendlich die Menschen beisammen waren, griff immer wieder jemand zur Gitarre oder sang unbegleitet einen canto flamenco. Es erschließt sich in diesen Gesängen eine Eindringlichkeit und Echtheit, die wenig mit historischer Authentizität zu tun hat. Marienverehrung aus dem Herzen der Leidgeprüften ist hier zu hören. Im Flamenco geben sie ihrer Hoffnung auf die Mutter der Gnade Ausdruck.

Bedauerlich nur, daß das Beiheft die tiefsinnigen Texte ausschließlich in Spanisch enthält.

Beim Publikum von Orgelkonzerten mag sich zuweilen die ungläubige Frage einstellen, wie denn ein Mensch allein so viel „Krach“ machen könne. Daß man auch an der Orgel noch dazu vierhändig (und vierfüßig) musizieren kann, muß für solchermaßen Trompeteria-geschädigte Zeitgenossen wie ein Alptraum wirken. Kompositionen aus Renaissance, Barock, Klassik, Romantik und Moderne beweisen jedoch, daß sich immer wieder Liebhaber für diese Möglichkeit fanden, das vielfältige Klangangebot einer Orgel besser auszuschöpfen, als dies einem einzelnen Spieler möglich wäre. Elisabeth Sperer und Winfried Englhardt konzertieren seit vielen Jahren zusammen am Spieltisch einer Orgel und waren damit eines der ersten „Orgelduos“ unserer Tage. Neben der Pflege des – zugegebenermaßen recht bescheidenen Repertoirs – wurden durch ihre Arbeit auch Komponisten unserer Tage angeregt, Musik für diese Besetzung zu schreiben. Sperer und Englhardt stellen diese Werke nun an der großen Klais-Orgel des Münsters zu Ingolstadt vor.

Am Beginn steht ein choralgebundenes Werk von Harald Genzmer (*1909), des wohl bekanntesten der auf der CD versammelten Komponisten. Nach der Komposition Sterbender Tag in Mähren von Andreas Willscher (*1955) erklingt die bemerkenswerte Komposition Confutatis von Roland Leistner-Mayer (*1945). Das auf Versen des Requiem basierende Werk ist von symphonischer Dramatik und Dynamik. Die virtuosen Partien gipfeln in einem unisono geführten Doppelpedalsolo, das sich in Rhythmik und Tempo steigert. Nach drei freitonalen, inhaltlich zusammengehörenden Skizzen Winfried Englhardts selbst, erklingt eine Komposition von Franz Xaver Lehner (1904–1986). Die atonale „Fantasie und Fuge“, als die man sie bezeichnen könnte, strahlt vor allem in ihrem fugierten Teil in hohem Maße Spielfreude aus. Das abschließende Abendrot von Robert Delanoff (*1942) schichtet ganz gemäß seiner programmatischen Absicht Klangfarben gegeneinander und nimmt mit ostinaten, an Minimal-Music gemahnende Rhythmen gefangen.

Sperer und Engelhardt haben die durch ihre interpretatorische Arbeit angeregten Werke souverän in ihr Repertoire integriert. Zusammen mit den klassischen oder klassisch gewordenen Stücken von Merkel oder Langlais stellen sie eine echte Bereicherung von Orgelkonzerten für vier Hände und vier Füße dar.

Seit dem Fall des „eisernen Vorhangs“ läßt sich ein verstärktes Interesse an russischer geistlicher Musik beobachten. Etliche Labels drängen mit Aufnahmen liturgischer Musik auf den Markt. Mit der wohl ambitioniertesten Reihe dieser Art – immerhin sollen in der nächsten Zeit fünfzig Einspielungen vorgelegt werden – will die „Cantica-Musikproduktion“ diese weitgehend noch unbekannte Welt erschließen. Die Aufnahme sämtlicher geistlicher Werke von Nikolai Rimski-Korsakov, des neben Rachmaninov wohl bekanntesten russischen Kirchenkomponisten ist eines der ersten in der Reihe „Musik der Ostkirchen“ vorliegenden Alben.

Rimski-Korsakov schafft eine traditionsgebundene Musik, der man aber die Formkraft eines großen Komponisten anmerkt. Auffällig sind die kontrapunktisch und unisono geführten Stellen innerhalb der an sich homophonen Musik der russischen Kirche. Rimski-Korsakov schafft Stimmungen und deutet den Text aus (was leider für den des Kirchenslawischen nicht mächtigen Hörer verborgen bleibt, da die Texte im Beiheft fehlen). Hinzu kommt eine große Farbigkeit des Chorsatzes und eine insgesamt ausgesprochen suggestive Wirkung.

Das Ensemble Blagovest beeindruckt durch Professionalität und durch langjährige Praxis erworbene „Authentizität“ und dokumentiert den momentanen Stand russischer liturgischer Chorkultur aufs Vorbildlichste. Der satte Chorklang, weiche Dynamikübergänge und gelungene Phrasenverbindungen (das sonst leider oft und auch bei guten Chören zu beobachtende „Wegreißen“ der Phrasenendtöne fehlt hier wohltuend) machen die Qualität dieser Interpretation aus. Hierfür steht Galina Kolzowa, die viele Jahre Chorleiterin an der „Erzengel Nikolaus Kathedrale“ (so das Beiheft) war.

Sind solche Schwächen zwar nicht kennzeichnend für das Beiheft, vermißt man dennoch neben den Texten auch Angaben zur liturgischen Stellung der Kompositionen. Für eine so breit angelegte Dokumentationsreihe erscheint dies unerläßlich. Auch sind die Schnitte und der (künstliche) Hall nicht vollständig über alle Kritik erhaben.

André Jolivets Musik ist hierzulande weitgehend unbekannt und das, obwohl er zusammen mit Musikern wie Messiaen der Gruppe Jeune France angehörte. Diese 1936 gegründete Vereinigung war mehr spiritueller als musikalischer Natur und so hatte jeder aus diesem Kreis eine eigene musikalische Entwicklung vor sich. Steht Messiaen mehr für Himmel und Regenbogen, so war Jolivets Element die Erde. Er suchte die ursprüngliche Dimension der Musik, ihre magisch-religiösen Wurzeln freizulegen. In atonalen und modal-tonalen Systemen erschafft Jolivet beeindruckende Klänge, die diesen ganz persönlichen Zugang des Komponisten zur Musik bekunden.

Die Aufnahme wird eröffnet von einer Hymne à Saint-André aus dem Jahre 1947. Der schon fast orientalische Duktus der Sopranstimme wird von der Orgel begleitet. Anders als diese intensive, innerliche Musik zeigt die Hymne à l’Univers (1961) fast schon hymnische Gewalt. Obgleich für Orgel allein geschrieben, erinnern große monodische Passagen an Stimmen, die diese Hymne vortragen. Daniel Roth verleiht ihr an der Orgel der St.Victor-Basilika vielfältige Farben. Wenn der Titel Arioso barocco und die Besetzung für Trompete und Orgel auch einen historisierenden Stil assoziiert, kann dies nur für den formalen Aufbau, die lyrische Struktur und die Ornamentik, gelten. Einmal mehr zeigt Jolivet hier seine einmalige Gabe, Melodien zu entwickeln. Mandala aus dem Jahre 1969 ist sicherlich Jolivets bekanntestes Orgelwerk. Es handelt sich um den Versuch, die spirituelle Idee des Mandalas von der graphischen in die klangliche Ebene zu transformieren. Das abschließende Nocturne fällt durch aufgrund seiner Besetzung (Cello und Klavier) aus der vorliegenden Aufnahme heraus. Geprägt durch fließende Akkorde und gesangliche Melodien spannt das im August 1943 komponierte noch ganz romantische Werk den Bogen zur einleitenden Andreashymne.

Es ist eine reizvolle Aufnahme, die da in Koproduktion mit dem Französischen Rundfunk bei Arion vorgelegt wurde. Technik wie Ausstattung (Beiheft in Französisch und Englisch) ist professionell.